¡MAS FOTOGRAFOS QUE SEGUIR!


¿Eh? ¿Quedaste con ganas de conocer mas grandes de la fotografía? Bueno, aquí te traemos cuatro fotógrafos más para que expandas tu repertorio de inspiración.

Ansel Adams


Ansel Adams  nació un 20 de febrero de 1902 y es conocido como el mejor fotógrafo de paisajes en la historia debido a que conseguía efectos que incluso el son de hoy son muy complicados de conseguir con un timing perfecto. 

Monolith, The Face of Half Dome. Ansel Adams, 1927.
Richar Avedon

Richar Avedon es un fotógrafo estadounidense que re-definió lo que se conocía como la fotografía de moda y que aclamaba que sus fotografías definían la belleza, la imagen y la cultura en un concepto nuevo y perfecto.
Judy. Richard Avedon, 1963.
Nick Brandt

Nick Brandt es un fotógrafo de gran técnica y estilo que se dedica actualmente a fotografiar en África cualquier ser vivo o lugar antes o después de ser destruido por la mano de obra humana.

Ranger With Tusk Of Killed Elephant. Nick Brandt, 2011.

Sally Mann

Sally Mann es conocida no por su técnica o por re-definir algún estilo, si no por sus temas polémicos que, inclusive, una vez causaron a un grupo de cristianos a protestar en contra de su fotografía debido a que algunas fotos las consideraban como pornografía infantil. Sally se ha aventurado en varios estilos, pero lo que más predomina en ella es tratar esos estilos en blanco y negro.

Virginia At Four. Sally Mann, 1989.




Clase Del Lente Especial: exposición y CameraSim

¡Buenas gente! Hoy la Clase Del Lente, no será algo teórico como lo es usualmente. Al contrario, hoy queremos mostrarte un arma especial que te permitirá practicar "ecuaciones fotográficas" en la comodidad de tu casa.

¿Qué definimos nosotros como ecuaciones fotográficas? Simple, son los valores del ISO, obturación y apertura que podremos usar según la iluminación con la que contemos. Por ejemplo: quiero fotografiar a una niña, congelando su movimiento, el clima esta completamente soleado; bueno, trabajare a ISO 100 con velocidad de obturador a 1/125 y la apertura a F/14, y la foto saldrá correctamente expuesta.

NOTA: Estos valores siempre varían según donde estemos, lo que queramos fotografiar y de donde nos ubiquemos en el globo terráqueo.

¿Cómo sé yo cuando una foto esta correctamente expuesta? 

 Bueno, en nuestra cámara contamos con un fotómetro que va del -2 al +2 pasando por el cero. Cuando nuestro fotómetro va hacia los negativos, la fotografía queda sub-expuesta (oscura) y cuando va hacia los positivos queda sobre-expuesta (muy brillante); por lo cual nos hace comprender que la exposición ideal de luz es en el cero. Existen 3 tipos de exposición: la que esta correctamente expuesta, coherente y perfecta.


La exposición correcta es cuando nuestro fotómetro marca cero, coherente es cuando nosotros decidimos la exposición según lo que queremos reflejar en la fotografía (Ejemplo: una escena deprimente suele estar sub-expuesta (oscura, tirando a los números negativos) y la exposición perfecta es la combinación de las dos anteriores.

Ahora que ya sabemos cuando nuestra fotografía quedara correctamente expuesta y el cómo funciona el ISO, la velocidad de obturación y la apertura; podemos empezar a crear nuestras propias ecuaciones fotográficas. Así que llego el momento de introducir lo que hace a esta clase tan especial: el Camera Simulator (CameraSim)

CameraSim es una aplicación en linea que nos da una imagen predefinida y nosotros tenemos la opción de modificar en los parámetros de iluminación en que nos encontramos (lighting), la distancia entre nosotros y el sujeto (Distance), la distancia focal de nuestra lente (Focal lenght); es decir, el zoom, modo de la cámara, ISO, obturación, apertura e inclusive el uso de un trípode.

Gracias a esta aplicación tan sencilla podemos jugar con los valores de la cámara en manual y ver los curiosos efectos que podemos lograr, y además, como mencionamos antes, podemos crear nuestro propio recetario para la luz que tengamos en la comodidad de tu casa.

El programa lo podemos cambiar a nuestro idioma, pero la explicación de cada elemento seguirá en inglés, debido a eso te hicimos aquel pequeño párrafo para que entendieras la función de cada opción que nos brinda la aplicación.

Sin más nada que decir, este es enlace directo para que disfruten de este simulador tan curioso: http://camerasim.com/apps/camera-simulator/.

Ya una vez usado el programa: ¿Qué combinaciones curiosas has encontrado con el CamSimulator que te hayan servido en la vida real? ¿Vistes diferencias en el uso del ISO, la velocidad de obturación y la apertura como un todo?

¡Consigue tu modelo a seguir!

    Hoy queremos hablarles de algo muy importante en el mundo fotográfico, conseguir un fotógrafo que nos atrape con su trabajo. Nosotros como personas, usualmente, necesitamos un modelo a seguir, uno que nos guíe por el camino que queremos tomar y que nosotros tratemos de igualar e inclusive mejorar. Normalmente escogeremos a nuestro fotógrafo según el estilo que queremos desarrollar (foto moda, street photo, paisajismo, etc.), así que aquí les traemos algunos fotógrafos que podrían interesarles.


    Toby Keller es un fotógrafo de Santa Barbara, California, que se especializa con la iluminación, sus fotografías combinan la iluminación ideal desde su perspectiva con el movimiento creando fotografías con un acabado hermoso. Ultimamente se ha enfocado en fotos nocturnas con luces LED y otros materiales para crear obras hermosas que podemos observar en una página dedicada a este estilo de fotografías haciendo click aquí.
Overhead Butterfly, Jeremy, 2010. Toby Keller


    Trey Ratcliff, nacido en Austin, Texas, es otro fotógrafo contemporáneo que se dedica a fotos HDR (High Dinamic Range - Alto Rango Dinámico), que son fotografías más acorde a lo que capta el ojo humano con un gran rango dinámico en los diferentes tipos de iluminación. Además, Ratcliff provee al consumidor sus propios tutoriales e inclusive un libro para realizar este estilo de fotografías paso a paso. Haciendo click aquí puedes encontrar un adelanto gratuito de 40 minutos de su tutorial de 10 horas de como hacer fotos HDR (el vídeo esta en inglés, pero el tutorial puede ser adquirido en varios idiomas)

China. Trey Ratcliff.

    Dave Hill es un fotógrafo de Los Angeles que si bien tiene una producción excelente, su fuerte esta en la post producción. Dave se especializa en fotografías con un nivel edición cercano a una ilustración, su estilo es único y casi imposible de imitar. Sus fotografías rebozan de creatividad y escenarios intensos. Su pre-producción y post-producción son de lo más envidiable según uno de los miembros de la página.

Wet Republic 2010. Dave Hills.

    Orlando Cariillo es un fotógrafo venezolano que, según sus propias palabras, es atraído por el paisajismo, los retratos y la trama urbana. Su estilo es curioso y se dedica a tomar fotografías que realzan la realidad de algunos y actividades de la vida cotidiana. Sus retratos son expresivos y curiosos, definitivamente un fotógrafo que, al menos, deberían ver.

Entrada A Mi Entorno, 2013. Orlando Carrillo.
David Pullum

David Pullum es un fotógrafo inglés, considerado de los mejores en fotografía de bodas del mundo. Su técnica y manejo de encuadre permite captar no solo el momento, si no el sentimiento del momento, haciendo así que con solo ver la fotografía puedas revivir aquel momento con todo detalle.


London Wedding. David Pullum.
Consejo personal

 Esta foto es de nuestro compañero Luis De Ornelas, en el que podrán notar que intento igualar la técnica del fotógrafo Dave, su modelo a seguir en ese mundo fotográfico, al igual que nuestro amigo tú también puede tener a un fotógrafo que te inspire, que te guste su estilo de fotografiar, por mi parte todavía sigo en la búsqueda…

Recuerden que al hacer click en el nombre del fotógrafo accederán a su portafolio electrónico, de esta forma podrán seguir de cerca sus trabajos.

¿Qué otros fotógrafos podrías recomendar al resto? ¿Qué fotógrafo en particular quisieras conocer más de los nombrados anteriormente?

Estilo Del Lente: Macrofotografía

    Bienvenidos a otro Estilo Del Lente, esta vez les traemos un estilo peculiar, un estilo que nos permite ver lo que el ojo no capta, que nos traslada a un mundo distinto y expande la manera que percibimos las cosas; así es, hoy hablaremos de la macrofotografía.

    La macrofotografía realmente se define como la realización de una fotografía a gran escala sin importar la relación entre el tamaño verdadero del sujeto y la fotografía, pero se ha ido utilizando más para definir a las fotografías de sujetos mínimos (insectos, gotas de agua, detalles difíciles de captar con el ojo humano, etc.) a gran escala y detalle. Tienen un uso muy acentuado dentro de la investigación biológica, debido a que con ellos es posible la documentación y estudio de características de diversas especies, tanto animales como vegetales. Además de ello, también son valorados en la fotografía de artículos de reducido tamaño como joyas, monedas, estampillas, entre otros objetos.

    La macrofotografía requiere unos lentes macro, que son lentes capaces de llevar estos micromodelos a una escala 1:1 (escala real); pero como todo objetivo, suelen ser algo costoso. Sin embargo, tenemos opciones mas económicas que nos ayudaran a tomar fotografías de este estilo. Cada una cuenta con sus defectos, ya que son opciones viables pero no optimas, pero para comenzar y experimentar son una buena opción. Estas opciones pueden ser:

Lentes de aproximación.
   - Lentes de aproximación: son cómodas de usar, no implican quitar y poner el objetivo y, además, apenas restan luz al objetivo. Sin embargo, ciertas lentes de aproximación (especialmente aquellas que otorgan mayor aumento) pueden dar problemas de enfoque, restar definición a la imagen o, incluso, mostrar definido sólo el centro de ésta. 

   - Tubos de extensión: proporcionan más acercamiento al sujeto que las lentes de aproximación pero para utilizarlos se debe desenganchar el objetivo del cuerpo. Limitan bastante la luz que llega al sensor pero, por otro lado, las imágenes que se consiguen con ellos tienen más definición que las que se consiguen con las lentes de aproximación. 

   - Fuelle de extensión: más o menos se consiguen los mismos resultados que con los tubos de extensión. La principal diferencia es que, con el fuelle, puedes controlar exactamente la distancia focal que tendrás. Además, se acostumbra a perder el contacto objetivo-cámara, así que perderás el fotómetro y deberás calcular la luz a ojo o por ensayo-error. 

   - Inversión del objetivo: necesitarás una cámara que te permita usar el fotómetro con los anillos inversores necesarios para este método. Los resultados pueden llegar a ser muy espectaculares pero debes manipular la parte trasera del objetivo, cosa que nunca es recomendable. 

    Un objetivo macro verdadero debe estar preparado para enfocar un objeto al menos al 50% de su tamaño real, respecto al tamaño de la película o del sensor, es decir un factor de ampliación de 0,5 (1:2) o más. La gran mayoría de cámaras compactas y de algunos objetivos zoom tienen el símbolo o el rótulo macro. En realidad esta función muestra la máxima ampliación del dispositivo, pero realmente (y por lo general) una cámara digital compacta alcanza factores de ampliación de 1:4 o menos (respecto a su propio sensor, de tamaño casi siempre mucho más pequeño que el de 35mm), razón por la cual las imágenes obtenidas con estos sistemas no se consideran macros propiamente dichos.

    Lo más importante para una fotografía de este estilo es el encuadre y tu manera de mostrar al resto estas maravillas del mundo. Concéntrate en lo que vez, busca buena luz, un buen encuadre, acércate lo más que puedas, agarra tu cámara firmemente y presiona ese disparador. Una buena lectura (¡GRATIS!) es un libro de Juan Cesar Jover donde recopila todas sus experiencias con este estilo que puedes descargar haciendo click aquí.


Quisiera saber tu opinión sobre el tema: ¿Qué opinas tú acerca de la fotografía macro? ¿Cómo buscarías tú mostrarle el mundo a los demás de una manera distinta a lo que percibimos?

Clase Del Lente: Obturación

   Hemos llegado al último de los tres factores que necesitamos saber manejar para poder sacarle el mayor provecho a nuestra cámara. Ya hablamos del ISO, de la apertura y es el turno comenzar con: ¡la velocidad de obturación!

  Cuando hablamos de velocidad de obturación, realmente nos referimos a cuanto tiempo dejamos el obturador abierto para la fotografía. Esto quiere decir, que El obturador no es más que el dispositivo que regula el tiempo durante el cuál le llega luz al sensor (o película) de la cámara. Lo que debemos entender es que a mayor velocidad de obturación, menor luz entra a la cámara, por consecuente a menor velocidad de obturación, mayor luz entrará en la cámara.

  Te habrás dado cuenta, si ya has leído las entradas sobre el ISO y la Apertura, es que los tres elementos manejan la cantidad de luz que entra a través del lente. Entonces, ¿Qué hace a la obturación diferente? Como ya sabemos, la apertura decide la cantidad de planos que queremos enfocados, pero la obturación decide cuanto movimiento queremos captar en la fotografía. Cabe destacar, que al igual que el modo prioridad de apertura (P o Ap), tenemos el modo prioridad de velocidad de obturación (S o Tv) para ayudarnos en momentos donde no tengamos el tiempo suficiente para ajustar cada valor de la cámara.

  A mayor velocidad de obturación, tendremos un movimiento estático, congelaremos la imagen, y a menor velocidad de obturación, captaremos más movimiento creando efectos interesantes.


    La obturación se mide mediante segundos o fracciones de segundo, en la siguiente tabla extraída de Wikipedia podemos observar los diferentes valores que podemos asignar en nuestra cámara reflex (Nota: el rango de valores podría cambiar según tú cámara).
Valortiempo de equivaloracion del disparador
Bmientras se mantiene pulsado el disparador
30"30 s
15"15 s
8"s
4"s
2"s
1"s
21/2 s
41/4 s
81/8 s
151/15 s
301/30 s
601/60 s
1251/125 s
2501/250 s
5001/500 s
10001/1000 s
20001/2000 s
30001/3000 s
40001/4000 s
    Además de congelar la imagen o captar movimiento, podemos hacer algo muy interesante con velocidades de obturación altas y es el light painting (Pintar con la luz). El Light painting es un estilo interesante y único donde se usan velocidades de obturación alta para captar el movimiento de la luz y así crear efectos interesantes.

   Honestamente, la mejor forma de aprender a usar la obturación es con la práctica. Yo te recomiendo que si vas a usar velocidades altas uses un trípode y que sepas hasta que velocidad puedes disparar correctamente sin uno. Por ejemplo, yo (Luis De Ornelas) no puedo disparar con una velocidad menor a 1/4 de segundo sin un trípode, y es importante que ustedes aprendan su limite. Un buen consejo que puedo darte es que para congelar un movimiento humano se necesita una velocidad entre 1/125 y 1/500, aunque es muy raro que llegues a usar el 1/500.


Bueno, ya conocemos las tres herramientas que harán maravillas de nuestras fotografías. Más adelante comentaremos como funcionan las tres en conjunto, aunque ya deberías tener un poquito la idea. Ahora quiero que nos comentes: ¿Qué usos creativos has encontrado usando velocidades de obturación diferente? ¿Que tipo de fotografías piensas que son mejor con velocidades altas o bajas?

¡Hora de fotografiarte! Hablemos de autorretratos.

     Ya te habrás dado cuenta que al ponerte detrás de la cámara, fotografiando tus eventos familiares, en ninguna de tus fotografías apareces, e incluso, tu pariente más lejano se encuentra en más fotos que tú. Pasamos tanto tiempo buscando el próximo protagonista de nuestras siguientes fotos que, a veces, olvidamos que nosotros mismos podemos ser el modelo perfecto.
Luis De Ornelas, miembro de Detrás del lente.

  En los autorretratos se busca la originalidad,  no necesariamente significa hacer una enorme producción para la fotografía, existen autorretratos que los gestos hablan por sí mismos.

Estos son consejos que te damos para preparar tu autorretrato:

1. Elige tu lugar: Todos tenemos un lugar favorito en nuestra ciudad, ya sea porque nos trae buenos recuerdos o el panorama nos agrada. Si tomas tu fotografía ahí seguramente te sentirás más cómodo.
2. Piensa en un sentimiento: Tú que comienzas en el mundo de las fotografías, sabes que en éstas se expresan sentimientos. Comienza por pensar en qué quieres transmitir en tu imagen, eso te ayudará a definir tus gestos y posiciones.
Estefany Morales, miembro de Detrás Del Lente. 

3. Cuida la composición: Pese a que se trata de tu propia fotografía, y tal vez sólo sea tu rostro el que aparecerá en la imagen, siempre hay que cuidar que la orientación de nuestro cuerpo y objetos que nos rodean, se complementen.

4. Iluminación: Ya sea que utilices luz natural o artificial, es importante que realices pruebas antes de la toma final. Analiza cuidadosamente cómo está afectando la iluminación a tu rostro y cuerpo

5. Busca originalidad: Recuerda que tu autorretrato es el reflejo de tu personalidad, así que piensa cómo podrías retratar tus sentimientos en una sola imagen.

Consejo Personal

Andrés Piñate, miembro de Detrás Del Lente.
   Si, ese soy yo, Andrés Piñate, mis primeros autorretratos siempre eran frente al espejo y colocaba la cámara en mi cara para que no se viera, hasta que hace poco entendí que odiaba verme en mis fotografías porque era muy crítico, seguro que más de uno se oculta detrás del lente por inseguridad de que aparezca en una fotografía, a esas personas les digo que tiene que perder ese miedo ya que pueden formar parte de su obra maestra y demostrar lo que son capaces de hacer siendo su propio modelo, ya sea jugando con los ángulos o enfocando alguna parte de su cuerpo en específico, lo importante es que trasmitan una emoción mostrar tu originalidad.  


    Ahora queremos saber de ti: ¿Te gusta más ser el fotógrafo, el fotografiado o ambas? ¿Que maneras creativas has encontrado para hacerte autorretratos?

Clase Del Lente: Apertura

    Bienvenidos a otra Clase Del Lente. Ya con la clase anterior empezamos un poco el manejo manual y hoy no será diferente. Hablaremos de el segundo de los tres términos que tenemos que dominar para poder empezar a crear las fotografías que queramos. El tema de hoy será sobre la apertura.

  Se encarga de establecer la cantidad de luz que entra en la cámara, a diferencia del ISO que lo que hace es intensificar la luz ya existente. Otra ventaja es que la apertura no nos hace perder calidad ni nos produce ruido digital.


    La apertura se define con números F/X, siendo X cualquier número con el que nuestro objetivo pueda trabajar. Mientras menor sea éste número, la cantidad de luz que entra por el lente será mayor y viceversa.


    Además de esto, la apertura también controla la profundidad de campo, esto quiere decir la cantidad de planos que aparecerán nítidos desde nuestro punto de enfoque. Esto también se relaciona con que tanta apertura tengamos, a mayor sea el número F/X habrán mayor cantidad de planos enfocados,  y a menor número F/X habrá menos campos enfocados.


    Lo dicho anteriormente es nuestra mayor arma con la apertura y lo que nos permitirá a hacer fotos interesantes y que nos permitirá controlar  que tanta importancia queremos darle a una fotografía. La manera para modificar la apertura varía según la cámara,  recomendamos revisar su manual que les dirá como hacerlo de manera efectiva. 


    Ofreciéndonos los valores máximos de apertura del diafragma para 2 focales, por ejemplo: 1:3,6-5,6. Normalmente se da en objetivos con zoom. Siendo el primer numero la mayor apertura correspondiente a la focal más angular y el segundo la máxima apertura para la focal más larga.


    A su vez hay objetivos especiales que tienen una apertura determinada, a los cuales le llamamos "objetivos fijos" por ejemplo 1:2, aunque también podemos encontrar algún objetivo zoom de valor de apertura fijo. Los objetivos fijos suelen ser más luminosos que los objetivos zoom y por tanto de mejor calidad.


    Además de todo esto, las cámaras capaces de modificar la apertura también poseen un modo conocido como "prioridad de apertura" donde nosotros solo tendremos que modificar la apertura y el ISO, la cámara hará el resto. Estos modos semi automáticos son muy útiles según la ocasión,  ya que no siempre tendremos el tiempo posible para modificar todo manualmente. Este modo suele estar marcado con la sigla "A" o "Av".

    Ahora te toca a ti, pon a prueba lo aprendido hoy en clase y cuéntanos tus experiencias: ¿Te parece interesante lo que se es capaz de hacer solo cambiando la apertura?  ¿Qué tipo de fotografías son ideales para una profundidad de campo corta?


¡Fotografía los mejores retratos de tus amigos y familiares!

    A todos nos gusta tomar fotos a otras personas, ya sea porque son amigos, familiares o simplemente porque si, pero has parado a pensar: "¿En qué puedo mejorar?" o "¿Qué necesito saber para mejorar mis retratos?". Bueno, precisamente hoy hablaremos de varios consejos que debes tomar en cuenta a la hora de apretar el disparador.

1. Te recomendamos poner tu cámara en prioridad de apertura y colocar el valor de F/ lo más bajo, de esta forma nos encargaremos de que nuestro punto de enfoque (nuestro modelo) se vea completamente nítido, mientras que el fondo se vea desenfocado.

2. En los exteriores, cuidado con la dirección a la que la luz le pega al sujeto. Si la luz le da muy directamente, nuestro sujeto saldrá con las sombras muy marcadas y esto no es lo mejor para un retrato. Colócalo en contraste al sol, donde no se le acentúen tanto las sombras. Por otro lado, si estas en interiores, busca un lugar donde puedas aprovechar la luz natural (como una ventana).

3. Aún si estas en un parque con un sol radiante, usa el flash. Eliminará las imperfecciones y suavizara la piel.

4. Usa la regla de los tercios, suele ser la mejor opción para tomar un retrato. Ojo: hemos dicho "suele ser" no "siempre es".

5. Sé creativo, esto te lo vamos a meter hasta en la sopa. Piensa fuera de lo común, toma retratos diferentes al mundo, ya sea por la ropa, el ambiente, o el sujeto en sí. Por ejemplo: una anciana en una discoteca, puede ser un retrato interesante.

6. Asegúrate que tu sujeto este cómodo. No es un contorsionista, si lo incomodas se reflejara en su mirada. Además, al igual que la moda, las poses dejan de llamar la atención después de un tiempo; hoy en día está de moda poses donde el sujeto no se mueva mucho.

7. Las expresiones lo son todo. Mientras más natural y expresivo sea un rostro, mucho mejor será lo que transmitas a los demás.

8. Cuida tú enfoque, en un retrato enfoca a los ojos de la persona.


9. Toca temas poco comunes o impactantes. Aunque es bueno siempre tener nuestros retratos clásicos de las personas sonriendo, también podemos variar retratando la realidad de algunas personas o personas poco convencionales.

10. Coloca al sujeto en el lado opuesto a donde se dirija su mirada, esto hará que la foto se exprese de una manera mas fuerte.

11. APLICA LO QUE ACABAS DE LEER. 

Consejo Personal

En lo personal, los retratos son una forma de inmortalizar a esa persona en ese momento. Recuerda siempre cuidar tus fondos y de darle el protagonismo al sujeto. También, aunque mencionamos que uses el flash siempre, te aconsejo poner una hoja blanca frente a este para suavizar la luz y que no sea tan fuerte y directa. Ah, otro truco muy útil es hacer que tu sujeto incline ligeramente la cabeza, si es mujer cualquier lado sirve pero si es hombre es recomendable que sea en sentido opuesto al hombro mas cercano a la cámara)

Como siempre, queremos saber tu opinión del tema: ¿Te gusta retratar a tus seres queridos?, ¿Has tenido la oportunidad de retratar algo fuera de lo común? y ¿Tienes algún consejo personal?



Estilo Del Lente: Paisajismo

    Bienvenidos de nuevo a un nuevo Estilo Del Lente, en esta oportunidad hablaremos del estilo fotográfico del PAISAJISMO. El paisajismo es uno de los estilos fotográficos más mágicos en mi opinión personal, ya que es capaz de transportarte a un lugar que parece mágico y perfecto como a su vez podría hacerte sentir lo frió y malévolo de algún lugar; en otras palabras el paisajismo es capaz de mostrarte las dos caras de una misma moneda.

    El genero paisajista es uno de los estilos fotográficos mas antiguos conocido por el hombre, en general se puede definir como la expresión de un paisaje en una fotografía. Aunque cada persona tiene su manera de expresarlo, todas son generalmente eso. 

    Dentro del paisajismo tenemos que tener en cuenta un aspecto importante para nuestra cámara y es la profundidad de campo. La profundidad de campo no es más que, calculando desde nuestro punto de enfoque, la cantidad de planos que podemos fotografiar de una forma nítida. Esto es definido por el valor de apertura en nuestra cámara reflex, un valor pequeño como F5.6 nos mostrara únicamente nítido el plano que estemos enfocando, mientras un F22 nos mostrara una gran cantidad de planos de manera nítida (claro, todo depende de la distancia de ese plano al punto de enfoque original)

    Dentro del paisajismo podemos encontrar diferentes tipos o clasificaciones como lo son: el paisajismo representativo, el paisajismo medioambiental, el paisajismo abstracto, el paisajismo urbano, el paisajismo manipulado y el paisajismo controlado.

     El paisajismo representativo es la más básica de todas y se enfoca en la belleza del lugar, sin alterarla con filtros u otras alteraciones.


    El paisajismo medioambiental se usa mas que todo para protestas, ya que se encarga de enfocar los cambios del medio ambiente a causa de la contaminación.


    El paisajismo abstracto consiste en extraer la esencia de un paisaje y reducirla a algo mas simple, casi minimalista, y hace que nuestro protagonista sea usualmente un plano especifico.


    El paisajismo manipulado es probablemente el menos habitual, se reconoce fácilmente por la gran modificación a un paisaje, ya sea por post producción o un paisaje hecho completamente por la persona.


    El paisajismo controlado es aquella que utiliza luz artificial para demostrar la belleza de un lugar, usualmente suelen ser fotos nocturnas por este mismo detalle.


    Ya para ir concluyendo, les puedo comentar por experiencia que el paisajismo es algo único según como lo fotografíes, ten en cuenta el lugar que vas a fotografiar y piensa un poco fuera de la caja, consigue una viste única del paisaje más común de tu localidad para que veas como podrás sorprenderte tú mismo.

    Ahora que ya conoces un poco del paisajismo queremos escuchar tu opinión: ¿Cuáles son los lugares mas interesantes para fotografiar? ¿Qué dificultades te has conseguido tratando de hacer una foto paisajista?




Clase Del Lente: Sensibilidad ISO

    Desde hoy, empezaremos a adentrarnos poco a poco en manejar la nuestra cámara en modo manual. Antes que nada quiero empezar con el tema más sencillo, crucial y que no podemos olvidar: el ISO. 

   Seguramente más de una vez, toqueteando tu cámara, habrás visto estas siglas y la opción de elegir valores que pueden ir desde el 60 hasta el 6400 o más. Bueno, el ISO no es más que la capacidad de tu cámara de captar la luz; mientras mayor el valor del ISO, mayor será la luz que entre por tu cámara



   En la imagen de la derecha podemos ver como el ISO nos ayuda a captar mayor luz en nuestra fotografía. En la imagen vemos como en un ISO 200, la imagen nos queda muy obscura (subexpuesta), por lo cual necesitamos poco a poco subir el ISO hasta conseguir la cantidad de luz que creamos la correcta. OJO: El ISO es el ultimo de los tres elementos de exposición (los otros dos son: apertura y obturación) que has de tocar.



    La imagen de arriba fue configurada para poder tener una foto "correctamente expuesta" pero para que, a su vez, podamos diferenciar los efectos del ISO en la imagen. Como podran notar mientras mayor sea el ISO, aunque la imagen este correctamente expuesta, perdemos calidad y detalles de la misma y aparece una especie de sucio, conocido como ruido digital.

        En la fotografía existen tres elementos de tu cámara que nos ayudaran a tener una correcta iluminación: El ISO, la apertura y la obturación. Hoy te mencionamos el ISO porque es el mas sencillo de los tres, pero como consejo personal te recomiendo trabajar con el ISO mas bajo de tu cámara y solo cambiarlo si es completamente necesario. Si estas en un día soleado, no trabajes con ISO 800, pero si no puedes con los otros dos elementos (apertura y obturación) exponer de manera fácil y correcta tu fotografía, recuerda que el ISO estará allí para darte esa luz extra.

         Ahora queremos saber de ti, quisiera que experimentes modificando el ISO de tu cámara reflex o inclusive de tu celular y que nos comentes tus experiencias. ¿En qué momentos te ha servido más subir de un ISO 100 a 400, por ejemplo?